1.-Estilos Artísticos:
En el arte colonial , en general, se ve una notable influencia española, por lo tanto los estilos que se desarrollaron en esta época en el Perú son los mismos que se desarrollaron simultáneamente en el reino español.
Los cambios estilísticos, aunque no coincidieron completamente con el desarrollo del arte europeo, Tuvo una influencia importante en las líneas más plausibles, especialmente en España: El renacimiento , el barroco y por ultimo el neoclásico sin embargo las imágenes que eran sacadas de estampas y grabados traídos de Europa en el reino español , se encuentran una combinación de estilos y características especificas según la interpretación. que los escultores y escultoras dieron a sus retratos a esto hay que añadir muchas estatuas que se hicieron en diferentes momentos, como manifestación de esta combinación esta el cristo de cañas de marfil que mezcla de una técnica indígena con figuras europeas
ESTILO RENACENTISTA :
La escultura al igual que la arquitectura fue impulsado por la iglesia, este estilo se caracteriza por la delicadez y la minucidad en los detalles . El dorado y la policroma fueron los colores que mas utilizaban en Lima en el siglo XVI y XVII se consolido como fuente de producción de la escultura.
Las primeras muestras de este estilo fueron en el terreno religioso, en tallas extentas y retablados para iglesias, confeccionadas generalmente en madera recubierta con yeso y decorada con encarnación -aplique directo del color o estofado sobre un fondo de plata y oro.
A principio del siglo XVIII nacieron las primeras escuelas locales, como la quiteña, la cuzqueña y la cholita, destacando la labor patrocinadora de la orden Jesuita.
El estilo renacentista empezó con los primeros maestros que aportaron significativamente al desarrollo de las escuelas de talla
dorada y en la confección de retablos para las iglesias . Bernardo Bitti y en menor cantidad Mateo Pérez de Alesio los dos de nacionalidad Italiana llegaron al Perú gracias a los jesuitas , este situación provoco el inicio del estilo
renacentista tardío o contra maniera estos maestro empiezan a formar discípulos que posteriormente tomaran la posta y mantendrán el estilo hasta por lo menos mediados de s. XVII.; En el siglo
XVI el renacimiento tardío continuaba inspirando a los artistas locales.
Utilizaron para sus primeras obras madera, mármol, piedra, marfiles y metales,
aunque muchas veces tuvieron que importar los materiales del reino español.
De este
periodo resaltan la Virgen de la anunciación (1551), Virgen del Rosario (c.
1555), Virgen Patrona de la orden dominica (1558), todas obras del escultor
flamenco Roque de Balduque. Cabe resaltar que la importación de obras fue práctica
común durante todo el virreinato peruano. Las regiones preferidas fueron
Sevilla, los Países Bajos y, en menor proporción, de Italia.
Virgen de la anunciación (1551)
La iconografía tradicional ha representado la Anunciación como una escena doméstica, ambientada en el interior de una habitación o en un patio, con la Virgen sentada o arrodillada y el arcángel llegando por la izquierda.
Virgen del Rosario (1555)
Autor Anónimo
ESTILO BARROCO :
A América no llego el "Barroco Cortesano" , si no el religioso . La talla en madera fue el principal ejemplar en el arte barroco durante la época colonial , la mezcla de brillantez creativa de los elementos indígenas con las del arte barroco europeo , da como resultado una rica muestra artística . Se toman de los europeos motivos de la flora y fauna, tallándose en madera, como se observa en el estilo Luis Ortiz Vargas XV, dando como resultado el arte barroco-rococó.
características del barroco
- El barroco se caracteriza por su dinamismo y movilidad
- Se comienza a utilizar el vidrio para representar los ojos.
- Un punto importante en el barroco criollo es el dorado que fue utilizado en el pan de oro.
La escultura en madera siguió este proceso. Siendo el mejor ejemplo el escultor quiteño Manuel Chili quien se especializo en Cristos de un enorme dramatismo y manierismo para poder manipular a los indígenas.
Pedro Laboria esculpió figuras con una cierta gracia, con rasgos melodramáticas y manieristas o cursis.
El mas importante fue Francisco de Legarda, creador de las vírgenes bailadoras paradas en una media luna.
La Escultura Colonial goza de forma universal por su elevada calidad artística
La escultura barroca toma como fuente de inspiración la expresión imaginaria religiosa, pero en lo sucesivo lo que mas predomino fue el arte renacentista. Pronto los artistas limeños crearon una hibridación de culturas, ya que se empezó a desarrollar un arte nuevo con estilos propios, por lo que, las figuras cristianas presentaban una fusión con el mundo andino.
A partir de 1620 comienza a evidenciarse la apropiación local del estilo barroco occidental a través de obras de tesorería, y tenemos como ejemplo la sillería del Coro de la Catedral de Lima que fueron construidas entre 1626 y 1632 por el arquitecto y escultor español Pedro de Nogueira (1580 - 1660)
A principios del s. En el siglo XVIII se popularizó el estilo barroco limeño con sus distintivas Columnas de Salomón, durante este período el escultor mestizo Baltasar Gavilan (1735 - 1760) creó la Estatua de la Muerte (Monasterio de San Agustín) y un poco antes que en Cusco Melchor Guamán Mayta creó imágenes tan expresivas en Maguey como la estatua de Santo Domingo.
Dentro de este estilo se encuentran diversas
esculturas como :
"Púlpito de la Catedral del Cuzco. De estilo barroco, este es uno de los más bellos púlpitos del Perú. Destaca por el uso de la columna salomónica distribuida de a dos entre los paneles con relieves de santos. Obra anónima del siglo XVII de 7,20 m. / Foto: Escultura en el Perú. Colección Arte y Tesoros del Perú del Banco de Crédito del Perú (Cortesía)"
"Detalle de la sillería de la catedral de Lima. Obra de la primera mitad del siglo XVII en la que intervinieron Pedro de Noguera, Luis Ortiz y Martín de Mesa. Se muestra a uno de los santos que adornan esta sillería; porta un cuchillo y está pisando a una gárgola. Obra de estilo barroco temprano. / Foto: Escultura en el Perú. Colección Arte y Tesoros del Perú del Banco de Crédito del Perú (cortesía)"
Nuestra Señora de la Merced (1558)
"Retablo mayor de la iglesia de San Agustín , Trujillo. Obra atribuida a Fernando Collado, posiblemente de 1725. De estilo estrictamente barroco, este retablo es característico del XVIII. Guarda semejanza con el retablo mayor de la iglesia Jesús María y José de Lima. Madera tallada y dorada, 12 x 9,60 m. / Foto: Escultura en el Perú. Colección Arte y Tesoros del Perú del Banco de Crédito del Perú (cortesía)"
ESTILO NEOCLASICO :
La escultura
neoclásica rechaza el efecto pictórico de la escultura barroca y concede todo
el protagonismo a la línea pura de contornos bien delimitados, huyendo de las
sinuosidades barrocas. En los relieves, las figuras se sitúan en un primer
plano, renunciando a cualquier fondo de carácter pictórico.
El neoclasicismo es literalmente el nuevo clasicismo, que se forja a partir de la segunda mitad del siglo XVIII. Lo que caracteriza a esta corriente es que es un movimiento contestatario al Barroco, es una reacción de la burguesía contra el rococó, -la reacción de la virtud contra la decadencia- y pretende simplificar, así como su pensamiento social que lo rodea que formara parte influyente, donde adopta y promueve algunas de las ideas básicas de la revolución A inicios
del s. XIX el estilo neoclásico de Matías Maestro (1766 – 1835) adquirió
protagonismo encargándosele la redecoración de muchos templos limeños,
ocasionando con esto el daños a muchos monumentos barrocos; en Arequipa el
presbítero Antonio Pereira y Ruiz admirador del trabajo de Maestro difundió el
estilo neoclásico propiciado por el terrible sismo de 1784, de esta manera se
cierra el largo periodo del arte colonial.
2.- Influencias y escuelas en la escultura colonial :
Con el establecimiento de las colonias en América y la expansión de la Iglesia en el territorio recién
conquistado, surgió la necesidad de contar con imágenes devocionales, que además de decorar los
recién construidos templos y conventos se acercaran a las formas humanas de una manera natural, y
que al mismo tiempo sirvieran en las ceremonias religiosas populares, como fueron las procesiones.
Esa necesidad fue remediada por los frailes en los primeros años de la vida colonial, ya que a través
de sus escuelas de artes y oficios enseñaron a los indigentes las técnicas de la escultura policromada y
estofada.
Al mismo tiempo que funcionaban dichas escuelas, llegaron a Nueva España maestros escultores,
éstos trabajaban siguiendo los lineamientos europeos para la fabricación de esculturas. El Virrey
expidió ordenanzas para poder regular el trabajo y garantizar el buen funcionamiento de los
artesanos que practicaban este oficio.
La
presencia de maestros españoles durante el siglo XVI y principios del XVII
consolidó a Lima como importante fuente de producción escultórica. Entre los
maestros españoles destacan Juan Martinez de Arrona, excelente ebanista
especializado en cajonería religiosa. Su obra más importante es la Cajonería de
la Catedral (1608) realizada bajo los cánones del renacimiento pues debía
armonizar con el estilo de Francisco Becerra, alarife de la catedral. Otro
importante escultor fue Pedro de Noguera, autor de la Sillería de la Catedral
(1532), acaso la obra escultórica más bella de Lima construida en el siglo
XVII.
De los talleres del andaluz Juan Martines Montañéz (1568-1649) destaca el
retablo del Monasterio de la Concepción (actualmente se encuentra en la
Catedral de Lima). Este gran retablo describe en sus relieves la vida San Juan
Bautista y fue enviado, desde Sevilla, durante 15 años a la ciudad de los Reyes
(1607-1622).
En
Lima surgieron varios talleres que satisficieron la demanda de los encomenderos
y también de las órdenes religiosas, porque se encontraban necesitadas de
producción artística, ya sea para la decoración de sus nuevos templos e
iglesias o para el adoctrinamiento de indígenas.
3. Técnicas y materiales en la escultura colonial
El
siglo XVIII se caracterizó por la introducción de nuevas técnicas en la
elaboración de esculturas.
Otro tipo de técnica se encuentra en la
escultura con bronce que no tuvo gran demanda en América y se aplicó la técnica
de cera pintada. La escultura con barro consistió en el modelado,
cocido y policromado de piezas. Esta técnica funcionó muy bien debido a las
tradiciones alfereras y alcanzó volúmenes de producción incalculables. Se dio
gran fusión de técnicas prehispánicas con aportes europeos, en la escultura con
madera fue común el uso de la pasta de madera (mezcla de aserrín, yeso y cola),
que permitió modelar figuras y cubrirlas con paños y telas decoradas. La
piedra, el mármol y el alabastro, se usaron para los relieves de fachadas,
portadas y estatuas con diversos temas.
ESCULTURA
EN MADERA.- Una vez tallada la pieza ,
con frecuencia se vacía para evita que la médula absorba la humedad y una vez que se han ensamblado las distintas
piezas se recubre la escultura con una capa de yeso que la prepara para el
color a esto se denomina estucar la estatua, después se pasa a dorarla,
recubriéndola con finísimas capas de oro fino. A continuación se aplica sobre
el dorado la pintura que constituye la policromía, después se raspa la pintura
con habilidad descubriendo el dorado en los puntos deseados, esto es lo que se
denomina estofado y por último se pasa al encarnado, que consiste en quitar con
habilidad el dorado en los puntos convenientes y dar los colores de carne.
ESCULTURA
EN METAL.- Para las obras que se
trabajan en bronce se suele utilizar la técnica de la cera perdida.. se realiza
el modelo en cera y se recubre de arcilla. Seguidamente por un orificio
superior se introduce bronce fundido, que derrite la cera y la hace salir por
otro orificio hasta que la sustituye por completo.
TÉCNICA DE
LA ESCULTURA EN PIEDRA.- Se realiza un modelo
en barro sobre el que se elabora la idea del artista, a continuación se saca
los puntos, es decir se trasladan las medidas al bloque sin labrar a partir de los puntos más salientes,
para lo que se utilizan diferentes
instrumentos, por último se acaba
la obra mediante el pulido
llevado a cabo con diferentes abrasivos
o se le aplica un preparado de yeso para
recibir la policromía.
MARMOL
San Juan Evangelista. Autor: Martín Alonso Mesa, 1623.
Fuente: La Basílica catedral de Lima.
Técnica de Estofado : La técnica del estofado fue traída de España en el siglo XVI tuvo su época de resplandor con el estilo Barroco durante los siglos XVII y XVIII , en este periodo no se utilizo tanto el esgrafiado en toda la superficie de las vestimentas, sino que más bien se aplicó en las orlas y
cenefas de túnicas y mantos, donde los diseños, a pesar del breve tamaño, podían ser motivos
vegetales o animales en los que la delicadeza de sus formas era en verdad notable.
El estofado es la técnica que sirve para incluir pan de oro dentro de su policromía . Para llevarla acabo la estatua, ya esculpida, debe recibir varias capas de estuco y grabado (se cubre con arcilla roja llamada cuenco). Sobre ellos, y en los lugares donde se requiere oro, se coloca lámina de oro (se pegan finas láminas de oro a la arcilla) Una vez realizada esta operación se pinta el oro con colores (con una fina capa), para luego, con un instrumento punzante, arañar la pintura hasta hacer salir del oro bajo suyo. Se imitaban así las telas ricas, brocados y damasquinados.
Detalle del paso de Los Caballos, posiblemente realizado por la Roldana
Mientras el
estofado era normal en las vestiduras (sobre todo en el XVI y principios del
XVII), la cara, manos o cualquier otra parte desnuda se policromaba por medio
de la encarnación (que intentaba recrear la piel humana).
Estas
encarnaciones podían ser mates (típicas en la escuela sevillana) o pulimentadas
(más habituales en Castilla o en el XVIII).
Técnica de la tela engomada: La técnica engomada destaco en el siglo XVII ya que una de las características que mas se distingue de esta técnica era el realismo que lograba darle a la obra.
La realización de esta técnica consistía en tallar el rostro y las manos y el traje se les moldeaba con telas
engomadas y pintadas que daban forma, pues lograba darle un efecto muy realista
a la obra. Se aplicaba especialmente en los santos , vírgenes , ángeles y arcángeles lo cual hizo que se volviera muy popular en esta época.
En esta técnica destaco la obra de Batalazar Gavilan , Virgen Dolorosa Lima que fue hecha para la iglesia de San Francisco que expresa el dolor
La Virgen de los Dolores es una advocación de la Virgen María. También es conocida como Virgen de la Amargura, Virgen de la Piedad, Virgen de las Angustias o La Dolorosa. Su fiesta es el 15 de septiembre; su vestidura por lo normal es negra o morada. Una pequeña selección de imágenes de la Virgen Dolorosa de diversos puntos del Perú.
Técnica Policromado : Esta técnica fue utilizada en diferentes presentaciones a lo largo de la colonia , fue usada para en la creación de imágenes de bultos .
Pasos a seguir para la realización de esta técnica:
Primero, un escultor con licencia del gremio de
escultores, talladores de madera y ensambladores, crearía la imagen de acuerdo con el prototipo
artístico o los deseos del cliente, quien podía tener una fuente iconográfica en mente.
La talla, se recubre con una capa de
cola animal seguida de varias capas delgadas de yeso, una base de preparación formada por la mezcla
de cola y yeso blanco o creta.
En algunos casos, se pegaba una tela fina- ya fuera antes o después del yeso- para dar estabilidad a la
madera. Las áreas que fueran a dorarse (incluyendo la mayor parte de las destinadas a ropajes) se
cubrían con un pigmento rojo llamado bol; las partes correspondientes a la piel se dejaban en blanco.
Entonces se aplicaba el oro de hoja sobre el área de bol y se bruñía con un ágata. Después de esto se
pintaba la estatua, generalmente al temple, o témpera –pigmentos en polvo mezclados con huevo. Las
áreas doradas se cubrían con pintura y se esgrafiaban diseños que revelaban el oro de abajo. A este
proceso se le llama estofado.
4. La posición de las esculturas en la colonia
"La Rectora, de Juan Bautista Vázquez Obra del siglo XVI, de estilo manierista. 1,40 m. Muestra a la Virgen sentada cargando al niño Jesús, de pie y desnudo en pose manierista. / Instituto Riva-Agüero. Pontificia Universidad Católica del Perú
. POSCION ORANTE
Oración en el huerto. Relieve en madera atribuido a Martín de Oviedo. Refleja la transición del manierismo al realismo. Originalmente se encontraba en el retablo de la cofradía de la piedad. Obra de 1601. / Retablo del Cristo del Auxilio. Iglesia de La Merced de Lima. Foto: Escultura en el Perú. Colección Arte y Tesoros del Perú del Banco de Crédito del Perú (cortesía)
. PEDENTE
"Niño Jesús. Este tipo de imágenes fueron muy difundidas durante el virreinato y buscaban plasmar tanto la dulzura como el supremo poder de Cristo cuando niño. Obra en maguey, pasta y tela encolada de 1,02 m. Presenta un acabado semejante a las tallas de madera. Anónimo, siglo XVII. / Iglesia de Callalli, valle del Colca, Arequipa. Foto: Escultura en el Perú. Colección Arte y Tesoros del Perú del Banco de Crédito del Perú
. ECUESTRE
Pequeño retablo colonial de personaje con escudo. / Colección Jaime Liébana. Foto: Wilfredo Loayza
"Santiago Matamoros. Vital escultura que representa a Santiago, santo que en el mundo andino fue asociado con Illapa (el Rayo). Obra anónima. / Colección particular. Foto: Wilfredo Loayza"
.YACENTE
La escultura Santa Rosa Yacente es obra del escultor maltés Melchiore Caffa (1665), fue donada por el Papa Clemente XI en 1670 con ocasión de la beatificación de nuestra Patrona.
La escultura se halla en la actualidad en la recientemente inaugurada Capilla Santa Rosa de Lima del Convento Santo Domingo de Lima.
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